Comédie dramatique française de Sébastien Betbeder avec Blanche Gardin, Philippe Katerine, Bastien Bouillon

Durée : 1h42

Après avoir passé des années à explorer les étendues glacées du Pôle Nord, Coline Morel débarque chez son frère qui vit dans la maison familiale de leur village natal du Jura. Ils ne se sont pas vus depuis des années car, en tant qu’exploratrice polaire renommée, elle a toujours voyagé au-delà de la civilisation et a perdu le contact avec sa famille. Elle lui dit qu’elle veut rester un certain temps pour écrire un livre…

Blanche Gardin, Philippe Katerine et Bastien Bouillon, tous trois formidables, font assaut d’ironie vacharde avec un plaisir communicatif, ce qui rend la plupart de leurs échanges hilarants. Une façon bien sûr de canaliser les sentiments à fleur de peau qui menacent à tout instant de les submerger – notamment Coline, qui cache un lourd secret à ses deux frères. Le cinéma si caractéristique de Sébastien Betbeder, qui marie à la perfection légèreté et gravité, humour et émotion, n’a jamais semblé aussi sincère, aussi évident. Des montagnes du Jura jusqu’à l’immensité des terres immuables du Groenland (familières au réalisateur qui y a déjà tourné Inupiluk et Voyage au Groenland), L’Incroyable femme des neiges nous entraine sur les pas de la fantastique autant que fantasque exploratrice, embarquée pour une nouvelle, peut-être ultime aventure. Une de celles qui donnent un sens à toute une vie.

Film d’animation français d’Antoine Lanciaux

Durée : 1h17 – à partir de 5 ans

Lorsque Lucie, 9 ans, arrive à Bectoile pour les vacances, elle n’a aucune idée des aventures qui l’attendent ! Sa mère, Caro, mène des fouilles archéologiques dans la région avec son collègue Pierrot. La campagne de Bectoile, c’est aussi là où a grandi Caro, et le théâtre d’un secret de famille… que Lucie s’apprête à dévoiler ! Avec l’aide d’un couple de mésanges très spécial et de son nouvel ami Yann, Lucie est bien décidée à se plonger dans son histoire familiale. Des sous-sols d’un château en ruine à une vieille caravane oubliée à l’orée des bois, cette aventure les mènera de surprises insolites en fabuleuses découvertes !

« Un effet de sidération nous saisit devant Le Secret des mésanges : la prouesse, la technique, les détails, le travail d’orfèvre nous impressionnent ! (…) Le film d’Antoine Lanciaux fera date (…) Il fait partie de ces films attendus et rares, impressionnants par leur technique, et qui évoquent la malice de l’enfance avec toujours douceur et tendresse. » Un conte dense de mystères, qui ravira les tout-petits tout en touchant, par réminiscence, les plus grands.

Film policier français de Dominik Moll avec Léa Drucker, Guslagie Malanda, Mathilde Roehrich, Jonathan Turnbull, Mathilde Riu

Durée : 1h55

Venu manifester en famille le 8 décembre 2018 à Paris comme de nombreux Gilets Jaunes – et découvrir pour la première fois la capitale – Guillaume Girard est grièvement blessé par un tir de LBD reçu à la tête. Les forces de l’ordre ont pourtant l’interdiction de viser cette partie du corps. Stéphanie, rigoureuse et impartiale, mène l’enquête avec son équipe de l’IGPN, la police des polices : convocation des témoins et confrontation de leurs versions afin de reconstituer l’enchaînement des faits. Au cours de ses investigations, un élément inattendu la trouble : ce dossier 137 devient alors pour Stéphanie une affaire différente des autres.

Après le succès amplement mérité de La Nuit du 12, Dominik Moll reste dans le domaine policier avec ce Dossier 137, tout aussi impressionnant de maîtrise, qu’il oriente davantage vers l’exploration des dérives institutionnelles et de leurs conséquences tragiques sur des vies ordinaires qui s’en trouvent brisées. Son tour de force est de ne jamais tomber dans le manichéisme et de parvenir à nous exposer les enjeux de manière limpide et fluide. Le film est de bout en bout passionnant, grâce entre autres à l’interprétation remarquable de Léa Drucker, d’une justesse incroyable, qui nous embarque dans les questionnements et les doutes de Stéphanie, enquêtrice intègre.

Documentaire argentin de Michael Dweck et Gregory Kershaw avec Guada Gonza, Tati Gonza, Jony Avalos

Durée : 1h24 – en VO

Au cœur des montagnes argentines, vit une petite communauté de gauchos, des familles de cavaliers profondément attachées à la nature et perpétuant leurs traditions. Tandis que les anciennes générations partagent leur sagesse, leurs rites et culture, leur descendance tente de préserver leur identité dans un monde en pleine mutation. Une jeunesse notamment incarnée par Guadalupe, jeune femme qui n’a cure des risques encourus à cheval, pourvu qu’elle puisse s’imposer dans le monde, très masculin, des gauchos…

Un bijou aux images magnifiques et sensibles en noir et blanc, qui nous invite à réfléchir sur la manière dont les valeurs du passé peuvent être valorisées sans pour autant refuser les apports utiles du progrès, et à nous interroger ainsi sur les enjeux sociaux et environnementaux du XXIe siècle. Paroles des réalisateurs – extraits : « L’idée de liberté est au cœur de la mythologie du gaucho, elle ressemble à celle du cow-boy nord-américain, mais l’histoire de l’Ouest américain est souvent marquée par la domination et la conquête. Ce que nous avons ressenti en côtoyant les communautés de gauchos, c’est plutôt une harmonie avec la terre et une fusion des cultures européennes et indigènes. La mythologie du gaucho est omniprésente en Amérique du Sud, notamment en Argentine. Pour beaucoup, le gaucho symbolise l’existence en dehors des limites de la société moderne, apportant avec lui liberté et pouvoir face à l’inconnu. » « Bien que nous n’ayons pas l’intention de faire des films sur le changement climatique, notre intérêt pour les communautés qui évoluent dans un milieu naturel fait que la question s’invite souvent dans l’histoire. Il y a très peu d’eau dans certaines parties de cette région, il pleut rarement, et la situation ne fait qu’empirer avec le changement climatique. » « Malgré les défis auxquels ces communautés sont confrontées, nous avons découvert une immense joie ici. Des vies d’une richesse et d’une plénitude rares dans le monde d’aujourd’hui. » NB : Les réalisateurs se sont engagés à verser une partie des bénéfices du film à la communauté des gauchos.

Film france-belgo-luxembourgeois de Joachim Lafosse avec Eye Haïdara, Jules Waringo, Leonis Pinero Müller

Durée : 1h32

Sana, mère célibataire cumule deux emplois et des tonnes de fatigue pour élever ses jumeaux d’une dizaine d’années. Lorsque l’opportunité d’offrir à ses fils des vacances de printemps tombe à l’eau, elle décide avec eux de partir tout de même, et de séjourner dans la belle villa, résidence secondaire luxueuse, de son ex-belle famille, sur la Côte d’Azur. En cachette. L’alarme qui résonne quand ils entrent dans la maison ne sera que le premier coup de semonce d’une semaine placée sous tension. Six jours de soleil qui marqueront la fin de l’insouciance.

Sur ce fil du rasoir, Eye Haïdara marche droite. C’est un cinéma de petits riens, de gestes évités, de regards détournés, dont la mise en scène et la comédienne trouvent la juste mesure. Cette trame volontairement ténue laisse la place aux interrogations, les assignations de classe, l’illusoire mobilité sociale et le déclassement, le droit universel à la beauté… Un film bref, à la fois radieux et mélancolique, ponctué de chuchotis prudents et de dîners à la bougie, faute d’électricité pour ne pas alerter les voisins. Centré sur la mère déclassée, dont la caméra scrute la lassitude, les inquiétudes, la joie retrouvée le temps d’une fête ou quand miroite un nouvel amour… Six Jours, ce printemps-là se déroule en mode mineur, sans guère de heurts — si ce n’est qu’un sale type parlerait à Sana sur un autre ton si elle était blanche. In fine, la violence de classe saute aux yeux, et prend à la gorge quand les choses rentrent dans l’ordre bourgeois, chacun sa place, lors d’une scène d’humiliation glaçante. Reste que la mère veille et que la conclusion, splendide, lui doit absolument son goût de revanche.

Documentaire français de Jean Boiron-Lajous

Durée : 1h26

Six démissionnaires de la fonction publique sont réunis dans un hôpital abandonné. En investissant les lieux, les ancien·ne·s juge, policier, anesthésiste-réanimatrice, enseignante et facteur échangent sur la souffrance au travail et le conflit éthique qu’ils ont vécu suite au démantèlement du service public.

Ce documentaire dresse l’état des lieux de la mise en concurrence des services publics. En d’autres mots, de leur casse progressive et inéluctable, le profit passant avant l’humain. On le savait déjà, mais le dispositif de mise en scène engendre une intimité rare. Hors-service n’est pas seulement un constat amer, c’est une plongée sensible dans les failles d’un système qui s’érode sous nos yeux. Dans les murs lézardés d’un hôpital déserté, ces voix autrefois dévouées à l’intérêt général font résonner une vérité universelle : derrière les réformes comptables et la logique managériale, ce sont des vies humaines, des vocations brisées, des idéaux bafoués. Le film rappelle que le service public n’est pas une machine froide mais un pacte social, fragile et vital, entre une société et celles et ceux qui la servent. En recueillant la parole de ces démissionnaires, le documentaire esquisse une utopie lucide : celle d’un avenir où l’on réapprendrait à mettre l’humain, la solidarité et la dignité au cœur de nos institutions.

Cette séance s’inscrit dans le Festival du cinéma solidaire du Pilat. Film suivi d’un échange et accompagné d’un stand de l’AFPS (Association France Palestine Solidarité), en présence aussi de membres de BDS (Boycott Désinvestissement et Sanctions) St-Etienne et de l’UJFP (Union Juive Française pour la Paix).

Documentaire de Sepideh Farsi avec Fatma Hassona (France, Palestine, Iran)

Durée : 1h50 – en VOST

« Put your soul on your hand and walk est ma réponse en tant que cinéaste, aux massacres en cours des Palestiniens. Un miracle a eu lieu lorsque j’ai trouvé Fatem Hassona, présentée à moi par un ami palestinien. Depuis, elle m’a prêté ses yeux pour voir Gaza où elle résistait en documentant la guerre, et moi, je suis devenue un lien entre elle et le reste du monde, depuis sa « prison de Gaza » comme elle le disait. Nous avons maintenu cette ligne de vie pendant plus de 200 jours. Les bouts de pixels et sons que l’on a échangé, sont devenu le film que vous voyez. L’assassinat de Fatem le 16 avril 2025 suite à une attaque israélienne sur sa maison en change à jamais le sens. »

À l’image, sur l’écran filmé d’un téléphone, un visage. Celui de Fatem, photographe habitante de Gaza, avec qui la réalisatrice initie un dialogue puis une véritable relation d’amitié par visio interposée. La communication est fragile ; suspendus aux aléas du réseau et des bombardements israéliens, on redoute à chaque appel qu’il ne soit le dernier.  À travers le son des projectiles qui habitent le hors-champ, les ruines et les décombres qui peuplent les photographies de Fatem, l’horreur de la guerre s’impose. Ce visage, on le voit changer, se creuser sous l’inquiétude, la fatigue ou le désarroi. Pourtant, on en garde avant tout la lumière, celle que la générosité de cette femme nous donne par son sourire, laissant primer la joie momentanée du partage, de l’échange et de l’évasion qu’ils procurent, sur la destruction qui l’entoure. À Sepideh, cinéaste iranienne en tournée à travers le monde, condamnée à ne jamais revoir Téhéran, Fatem, enfermée entre quelques pans de murs, confie ses photographies, ses poèmes et ses chansons, pour témoigner des souffrances et de la force de son peuple. Car elle aussi résiste en créant et oppose à l’ordre tragique du monde l’imagination poétique. Le cinéma advient ici de la rencontre entre deux femmes, qui, surmontant les frontières qui les séparent, construisent un monde nouveau : celui d’une sororité qui se loge dans l’image pour célébrer la beauté du lien et de l’attention à l’autre. Ainsi, les mots, les images, parfois le rire de Fatem, nous parviennent, parole rare, frêle miracle étincelant d’humanité et de courage.

Film grec de Vasilis Kekatos avec Daphne Patakia, Nikolakis Zeginoglou, Stavros Tsoumanis

Durée : 1h44 – en VO – Tout public avec avertissement

En rupture avec sa famille, Chloé, 20 ans, est recueillie par un groupe de jeunes itinérants. « Ne pas vieillir, jamais », telle est l’ambition de cette escouade de vingtenaires, mi-fêtards, mi-militants anticapitalistes, qui sillonnent la Grèce d’après la crise à bord d’un fourgon-laverie pour s’occuper gratuitement du linge des villageois dans la mouise. La bonne action diurne en dissimule une autre, nocturne, tout aussi généreuse, mais beaucoup moins légale. À leur contact, Chloé expérimente une nouvelle vie, plus libre, plus intense, où tout peut s’arrêter demain.

Le naufrage du capitalisme, les Grecs l’ont connu en rebond de la crise financière de 2008, entraînant une faillite et une paupérisation sans équivalent en Europe, une chute spectaculaire des revenus, un profond désenchantement et une révolte de la jeunesse. Dix-sept ans plus tard, alors que les plaies sont loin d’être refermées et que la situation peine à s’améliorer, c’est justement de cette jeunesse grecque que « Nos jours sauvages » brosse le portrait. Voilà un beau film politique, ancré dans son époque, qui saisit avec originalité et un relatif optimisme cette génération, souvent présentée en perte de repères idéologiques. La forme du road movie sied bien à ces Robins des bois qui se voient comme « des fantômes errant dans les villes désertes ». Face à une société minée par un état en faillite et par le patriarcat, des jeunes font leur part, résistent à leur manière. Tout en délicatesse impressionniste, le film réussit à décrire une jeunesse désabusée mais pas désespérée, dont la révolte, intacte, a subtilement mué, rehaussée d’amour pour son prochain (pourvu qu’il le rende bien), de collectivisation réinventée et d’entraide. « Nos jours sauvages » transpire la liberté et l’énergie de la jeunesse, et explose les cadres avec une rare et généreuse sensualité.

Film franco-luxo-iranie de Jafar Panahi avec Vahid Mobasseri, Maryam Afshari, Ebrahim Azizi

Durée : 1h44 – en VOST

Iran, de nos jours. Un homme croise par hasard celui qu’il croit être son ancien tortionnaire. Mais face à ce père de famille qui nie farouchement avoir été son bourreau, le doute s’installe.

Tourné clandestinement près de Téhéran, au nez et à la barbe des censeurs, typique du cinéma « embarqué » de Jafar Panahi, l’éternel opposant qui sait comme personne enfermer les tensions d’une société dans le huis clos d’un véhicule en mouvement, le film roule à tombeau ouvert sur les routes d’un pays écorché… C’est un thriller d’une efficacité imparable, un formidable portrait choral, ainsi qu’une charge à la fois brutale et burlesque contre le pouvoir. Une réussite totale, totalement emballante, qui mérite instantanément tous les enthousiasmes, toutes les palmes, tous les tubas, toutes les récompenses possibles – et par-dessus tout la ferveur du public le plus large. Ce « simple accident » prouve, une fois de plus, à quel point Jafar Panahi est un cinéaste politique essentiel. Ce film a obtenu la Palme d’or au 78e Festival de Cannes.

Film suivi d’un échange avec le réalisateur et d’une dégustation de diverses tartes ou autres recettes à la pomme de terre !

Documentaire français de Jean-Louis Gonterre

Durée : 1h17

Invité officiellement à Ténérife pour la célébration des 500 ans de l’arrivée de la pomme de terre en Europe, ce documentaire offre à la fois une lecture historique et un regard scientifique sur ce tubercule. Il rend hommage aux femmes et aux hommes qui, pendant des siècles, ont pris soin de leurs terres, de la biodiversité végétale et d’un patrimoine culturel unique. « Oui, la pomme de terre est le trésor des Andes et de toute l’humanité ». Ce film nous montre l’Amérique latine à travers la découverte de la pomme de terre, des hauts plateaux péruviens aux régions irlandaises en passant par Tenerife, la Belgique et la France. Voici une histoire de la mondialisation sous un angle original et servie par des images d’une grande beauté, sans oublier la magnifique création musicale de Nathanaël Bergèse.

Film français de Pauline Loquès avec Théodore Pellerin, William Lebghil, Salomé Dewaels

Durée : 1h36

Nino est de la famille des taiseux, de ceux qui préfèrent rester en retrait et regarder de loin le monde. Dans trois jours, Nino devra affronter une grande épreuve. D’ici là, les médecins lui ont confié deux missions. Deux impératifs qui vont mener le jeune homme à travers Paris, le pousser à refaire corps avec les autres et avec lui-même.

Tout ce périple se fait dans un entre-deux, un temps mort dans lequel surgit la vie… On y croise avec Nino toute une galerie de personnages, superbement écrits ou esquissés au fil de rencontres éphémères, qui dessine une humanité touchante, faillible, maladroite. Enfermé dehors, au propre comme au figuré, le garçon se confronte à une ville mouvante et profuse, où de nombreuses silhouettes crient silencieusement leur solitude. Avant de prendre soin de lui, il s’agit donc d’en sauver quelques autres, confirmant ainsi le portrait que sa mère faisait de lui à sa naissance : « on aurait dit que tu voyais tout mais que tu regardais rien. » La réalisatrice confie avoir eu un coup de foudre pour ce personnage qui émergeait au fil de son écriture, et c’est exactement ce qui s’impose aux spectateur·ices. Dans ce portrait en actes, cahotant et fragile, une tendresse profonde se construit pour ce jeune homme obligé de composer avec plus grand que lui. Le jeune acteur québécois, Théodore Pellerin, dans le rôle-titre, crève littéralement l’écran.

Comédie noire et fantastique franco-thaïlandaise de Ratchapoom Boonbunchachoke, avec Mai Davika Hoorne, Witsarut Himmarat, Apasiri Nitibhon

Durée : 2h16 – en VOST – Tout public avec avertissement

Après la mort tragique de Nat, victime de pollution à la poussière, March sombre dans le deuil. Mais son quotidien bascule lorsqu’il découvre que l’esprit de sa femme s’est réincarné dans un aspirateur. Bien qu’absurde, leur lien renaît, plus fort que jamais — mais loin de faire l’unanimité. Sa famille, déjà hantée par un ancien accident d’ouvrier, rejette cette relation surnaturelle. Tentant de les convaincre de leur amour, Nat se propose de nettoyer l’usine pour prouver qu’elle est un fantôme utile, quitte à faire le ménage parmi les âmes errantes…

Dans ce premier film enlevé, Ratchapoom Boonbunchachoke convoque les spectres à tous les étages de la société, dans un mouvement embrassant tant l’intime (la passion amoureuse) que le collectif (le combat contre la dictature), et sur tous les tons, de la comédie sentimentale à la dystopie option électrochocs. Il y a une franche jubilation à voir ces objets électriques du quotidien, aspirateurs, machines à laver, robots d’usine, s’affranchir des codes de bonne conduite et des prises électriques qui les asservissent d’ordinaire. Acceptés ou rejetés, selon le degré de culpabilité des vivants qui les possèdent – et qui se retrouvent possédés par eux –, ils s’insèrent hardiment dans les rouages de la société, qu’ils pervertissent avec un mauvais esprit des plus plaisants. La poésie électroménagère et la charge politique de Fantôme utile ont été distinguées par le Grand Prix de la Semaine de la critique à Cannes en mai dernier.

AVANT-PREMIÈRE ! Programmation en préambule de la 9ème Foire Bio du Pilat organisée par Vent de Bio le dimanche 12 octobre à Pélussin. Le film sera suivi d’un échange et accompagné d’un stand du Comité local des Soulèvements du Forez.

Documentaire français de Thomas Lacoste

Durée : 1h45

Un portrait choral à 16 voix, 16 trajectoires singulières, réflexif et intime d’un mouvement de résistance intergénérationnel porté par une jeunesse qui vit et qui lutte contre l’accaparement des terres et de l’eau, les ravages industriels, la montée des totalitarismes et fait face à la répression politique. Une plongée au cœur des Soulèvements de la Terre révélant la composition inédite des forces multiples déployées un peu partout dans le pays qui expérimentent d’autres modes de vie, tissent de nouveaux liens avec le vivant, bouleversant ainsi les découpages établis du politique et du sensible en nous ouvrant au champ de tous les possibles.

Entendre, écouter, voir que nombreuxses sont celleux qui résistent, qui se soulèvent dans tous les recoins de la France, du Tarn à Notre-Dame-des-Landes en passant par le glacier de la Girose, pour protéger des espèces menacées, préserver des forêts et des zones humides, faire barrage aux projets inutiles d’autoroutes, de LGV (Ligne à Grande Vitesse) ou de méga-bassines… Ce film permet de comprendre leurs motivations et de découvrir qu’il leur arrive d’obtenir de belles victoires avec comme seules armes leurs mains nues, leur bon sens, leur intelligence stratégique, leur amour de leur terre, leur solidarité.

Thriller franco-luxembourgo-turc de Çağla Zencirci et Guillaume Giovanetti, avec Saadet Işıl Aksoy, Erkan Kolçak Köstendil, Muhammet Uzuner

Durée : 1h16 – en VOST

Ankara, 1999. Arzu enchaîne les appels tarifés dans le call center érotique où elle travaille. Quand un séisme soudain frappe Istanbul, un jeune homme avec lequel elle était en ligne est pris au piège sous des décombres et la supplie de le sauver. Arzu saurait bien qui appeler… au péril de sa propre vie.

À Cinémolette, nous avions adoré projeter SIBEL, le précédent film de ce duo de cinéastes en 2019. L’émancipation d’une jeune fille rebelle dans la campagne turque. Muette, elle s’exprimait par une langue sifflée ancestrale… Ici, encore une femme courageuse et en lutte, mais un tout autre genre de film. S’inscrivant dans la lignée des huis-clos téléphoniques (The guilty, Locke…) Confidente fait monter la tension en jouant subtilement avec le hors-champ. Mêlant questionnements sociaux et politiques, le film pointe la gestion désastreuse par les autorités turques des séismes ayant eu lieu en 1999 puis en 2023. Les cinéastes réussissent une double prouesse : installer un suspense haletant dans un pamphlet sur la corruption politique, la domination masculine et la misère sexuelle, et nous tenir en haleine presque sans quitter la salle des opératrices. Confidente se renouvelle sans cesse, change de registre et nous mène brillamment par le bout de l’oreille !

Dans le cadre du festival féministe La Radée

Drame de Eva Victor, avec Eva Victor, Naomi Ackie, Lucas Hedges

Durée : 1h44

Quelque chose est arrivé à Agnès. Tandis que le monde avance sans elle, son amitié avec Lydie demeure un refuge précieux. Entre rires et silences, leur lien indéfectible lui permet d’entrevoir ce qui vient après.

Venue du monde de la comédie, Eva Victor – ici scénariste, réalisatrice et interprète principale – imprime une tonalité très singulière à son premier film, simultanément tendre et loufoque, dont la gravité semble enveloppée d’une couche ouatée que perce un humour un peu groggy. La pudeur qui s’en dégage nous laisse imaginer sa portée autobiographique et confère à Sorry, baby la valeur d’une vérité première, fragile et incontestable. Celle d’une jeune femme à qui il est arrivé un « truc assez grave » et la façon dont elle l’a géré : avec son entourage, des hauts, des bas, quelques belles rencontres et une grande force de caractère.

Film suivi d’un échange, dans le cadre de la fête des faucheurs volontaires, tarif unique 5€

Documentaire français de Vincent Verzat

Durée : 1h30

Vincent Verzat filme les mobilisations écologiques depuis 10 ans sur la chaîne YouTube Partager c’est Sympa. Partant d’un récit personnel et sensible, le film retrace son cheminement entre militantisme et naturalisme, sa recherche d’un équilibre entre combat et contemplation, traçant un chemin pour vivre dignement et affronter ce qui vient. Des luttes forestières du plateau des Millevaches à la tanière d’une famille de blaireaux, en passant par les méga bassines du Poitou, les cerfs du Vercors et l’autoroute A69, « Le vivant qui se défend » fait le lien entre les animaux sauvages et les luttes qui sont menées partout en France contre la destruction de leurs habitats. “Le vivant qui se défend” trace un chemin pour vivre dignement et affronter ce qui vient.

À la suite de la projection, un échange sera proposé :
– avec des faucheurs volontaires d’OGM autour des pesticides, de l’intervention chez le grand groupe chimique BASF et des projets de distribution de notre environnement côté Rhône (photovoltaïque en zone natura 2000)
– avec des naturalistes autour de l’impact de nos sociétés sur les écosystèmes.

Drame français de Laurent Cantet et Robin Campillo, avec Eloy Pohu, Pierfrancesco Favino, Élodie Bouchez

Durée : 1h42

Enzo, 16 ans, est apprenti maçon à La Ciotat. Pressé par son père qui le voyait faire des études supérieures, le jeune homme cherche à échapper au cadre confortable mais étouffant de la villa familiale. C’est sur les chantiers, au contact de Vlad, un collègue ukrainien, qu’Enzo va entrevoir un nouvel horizon.

Un film de Laurent Cantet réalisé par Robin Campillo. La formule – inédite – dit bien toute la singularité de cette œuvre, fruit d’une solide amitié et d’une profonde complicité artistique : Laurent Cantet, cinéaste disparu il y a un an, avait co-écrit le scénario et bel et bien prévu de tourner cet Enzo qui devait être sa dernière réalisation. Le destin en a malheureusement décidé autrement et Robin Campillo a décidé de mener le projet à son terme. Il faut rappeler que les deux cinéastes étaient très liés et avaient déjà écrit six films ensemble, de Entre les murs à L’Atelier. Enzo s’est donc nourri du talent partagé, de l’humanité, de la sensibilité communes de Cantet + Campillo, et le film est doublement formidable.

Film d’animation de Mailys Vallade, Liane-Cho Han, d’après le roman d’Amélie Nothomb

À partir de 6 ans – Durée : 1h17

Amélie est une petite fille belge née au Japon. Grâce à son amie Nishio-san, le monde n’est qu’aventures et découvertes. Mais le jour de ses trois ans, un événement change le cours de sa vie. Car à cet âge-là pour Amélie tout se joue : le bonheur comme la tragédie.

Et revoilà de l’Animation avec un grand A et toutes ses lettres de noblesse, plus quelques clins d’œils adressés aux plus grands maîtres japonais, de Hayao Miyazaki à Isao Takahata… Une merveille de film, avec en prime la richesse et l’humour incisif du texte d’Amélie Nothomb. Mais nul besoin d’être des connaisseurs de l’œuvre de l’écrivaine belge pour goûter pleinement cette formidable adaptation de son célèbre roman Métaphysique des tubes, publié en 2000.

Dans le cadre du cinéstival : 4 soirées où la musique a le premier rôle ! Séance en plein air à la Brasserie du Pilat, projection à la nuit tombée (… 21h53 ?), film précédé d’un set de la « Sanfare » de St-Julien-Molin-Molette, rendez-vous dès 21h !

Film français de Emmanuel Courcol
avec Benjamin Lavernhe, Pierre Lottin, Sarah Suco
Durée : 1h44

Thibaut est un chef d’orchestre de renommée internationale. Lorsqu’il apprend qu’il a été adopté, il découvre l’existence d’un frère, Jimmy, employé de cantine scolaire et qui joue du trombone dans une fanfare du nord de la France. En apparence tout les sépare, sauf l’amour de la musique. Détectant les capacités musicales exceptionnelles de son frère, Thibaut se donne pour mission de réparer l’injustice du destin. Jimmy se prend alors à rêver d’une autre vie…

L’harmonie des mineurs de Lallaing, la fanfare qui joue dans le film, incarne joliment une forme de fraternité sonore. Sonnez tubas, clarinettes, trombones et trompettes, les ensembles nous permettent de vivre ensemble. Comme une ode à l’entente. Et le film trouve un délicat équilibre entre le drame et la comédie, dans la veine du cinéma social britannique. La magie opère grâce à une mise en scène rythmée, des dialogues vraiment savoureux et à une magnifique distribution.

Dans le cadre du cinéstival : 4 soirées où la musique a le premier rôle ! Bonus après le film : les 3 rappeuses d’AlmaZ nous offriront un petit set de 20 min ! « AlmaZ c’est 3 plumes aiguisées qui puisent dans l’intimiste et le scandaleux, l’egotrip et la dérision, pour raconter du grave et du fun sans distinction. »

Biopic rap irlandais de Rich Peppiatt
avec Móglaí Bap, Mo Chara (II), DJ Próvai
Durée : 1h45 – en VOST

Nous sommes à Belfast, à la fin des années 2010. Quand il ne fait pas la fête ou ne deale pas, Liam Óg consigne ses émotions et les rêveries de son quotidien dans un carnet. Son ami Noaise, pour sa part, cherche un sens à sa vie et fréquente en secret son père, un militant activiste de l’Armée républicaine irlandaise, présumé mort depuis des années. La vie des deux « ratés », comme ils se définissent eux-même, prend un nouveau tournant lorsque leur professeur de musique se met en tête de fonder avec eux un groupe de rap politique baptisé Kneecap en référence à la pratique de l’Armée Républicaine Irlandaise consistant à tirer dans les rotules des traitres. Un groupe qui, en plus, chante délibérément en gaélique pour dire des choses pas très aimables sur les voisins britanniques ou unionistes… ce qui est moins commun ! Pas forcément de quoi faire frémir la Couronne, sauf qu’à la surprise générale la musique de ces gaillards énervés plaît. Beaucoup. Bien au-delà de leur quartier de Belfast. Et se met à grimper en haut des charts… britanniques ! Bien vite, l’ascension du trio suscite de violentes polémiques et la colère de la police… Kneecap, groupe de rap irlandais et trio de Belfast devient la figure de proue improbable d’un mouvement de défense des droits civiques visant à sauver leur langue maternelle.

Avec l’entremise d’un réalisateur malin, nos joyeux drilles ont entrepris de raconter leur histoire au cinéma en romançant à peine le tout dans une fiction réaliste… un genre de biopic survitaminé en temps réel ! À des années-lumières des documentaires compassés de la BBC, la comédie sociale et politique file à 200 à l’heure. Un peu comme un Ken Loach (qui ne désavouerait certainement pas le message) sous amphétamine, avec une bande son démente qui rend hommage à une identité magnifique, à l’énergie de la jeunesse, et à tout ce qui fait le sel de la vie : sexe, rap, révolution et Guiness !

Dans le cadre du cinéstival : 4 soirées où la musique a le premier rôle !

Biopic américain de James Mangold
avec Timothée Chalamet, Edward Norton, Elle Fanning
Durée : 2h20 – en VOST

New York, 1961. Alors que la scène musicale est en pleine effervescence et que la société est en proie à des bouleversements culturels, un énigmatique jeune homme de 19 ans débarque du Minnesota avec pour seuls bagages sa guitare, son sac à dos et son talent hors normes… mais pour l’instant parfaitement ignoré. Le jeune Bob a appris l’hospitalisation de son idole, Woody Guthrie, et a immédiatement décidé de lui rendre visite. À peine arrivé à l’hôpital, il tombe sur une autre légende du folk, Pete Seeger, qui est au chevet de son ami Woody. C’est LA rencontre qui va définitivement bouleverser le destin du parfait inconnu, Seeger étant immédiatement convaincu d’avoir affaire à un artiste exceptionnel.

Un parfait inconnu ne cherche pas à se poser comme le biopic ultime sur Bob Dylan, le scénario se concentre sur cinq années charnières de la vie du seul auteur-compositeur-interprète auréolé d’un Prix Nobel de littérature : cinq années d’une ascension fulgurante et de rencontres décisives avec les musiciens légendaires de Greenwich Village : Joan Baez, Johnny Cash… avec en point d’orgue une performance révolutionnaire et controversée qui créera une onde de choc dans le monde entier.

Dans le cadre du cinéstival : 4 soirées où la musique a le premier rôle !

Comédie dramatique française d’Amélie Bonnin
avec Juliette Armanet, Bastien Bouillon, François Rollin, Dominique Blanc, Tewfik Jallab
Durée : 1h38

Alors que Cécile s’apprête à réaliser son rêve – ouvrir son propre restaurant gastronomique –, elle doit rentrer dans le village de son enfance à la suite de l’infarctus de son père. Loin de l’agitation parisienne, elle recroise son amour de jeunesse. Ses souvenirs ressurgissent et ses certitudes vacillent…

Amélie Bonnin, designer, graphiste, scénariste et réalisatrice, signe ici son premier long métrage réalisé dans le sillon de son court éponyme, César du meilleur court-métrage en 2023. Elle a repris les mêmes (ou presque) comédiens formidables, les mêmes idées qu’elle a développées, malaxées, retournées et mis dans son shaker magique en même temps que les chansons chères à son cœur. Elle a secoué l’ensemble avec toute l’audace et toute l’énergie dont elle est capable et ça nous donne un film au charme irrésistible, qui nous emporte et nous ravit ! Les tubes viennent relancer le récit, les paroles des chansons prolongent et rythment les retrouvailles de la Parisienne et du provincial (en boîte de nuit, à la patinoire). François Rollin nous met les larmes en interprétant « Cécile, ma fille » de Claude Nougaro et Dominique Blanc est irrésistible de douceur et de fantaisie dans une version remaniée de « Paroles, Paroles » de Dalida.

Cette séance s’inscrit dans un mini-festival de travaux de fin d’études organisé par 12 étudiant·es en dernière année du DN MADE Cinéma d’animation de Cournon d’Auvergne, en collaboration avec l’École de La Poudrière de Valence.

Film d’animation français de Rémi Chayé
Durée : 1h22

En 1863, Martha Jane fuit un convoi qui progresse vers l’Ouest avec l’espoir d’une vie meilleure et affirme sa liberté dans l’aventure qui fera d’elle Calamity Jane.

Documentaire de Sandrine Mercier & Juan Gordillo Hildago
Durée : 1h27

Partir ou rester ? C’est le dilemme d’Anaïs, 17 ans, profondément attachée à son Gers natal dans le Sud-Ouest de la France et à ses amis de la fanfare. Son bac en poche, elle devra quitter sa famille et la vie à la campagne. Au fil de ce dernier été, Anaïs prend conscience de ce qu’elle aime et doit laisser derrière elle : la musique, les fêtes de village, la beauté des champs de tournesols… Mais comment avoir un avenir en pleine « diagonale du vide » ?

L’histoire de départ, c’est celle d’Anaïs, lycéenne de 17 ans, flûtiste au sein à la banda La Chicuelina. Elle s’apprête à passer son bac… En la suivant sur cette période charnière du passage à l’âge adulte, le film dresse un portrait choral d’une jeunesse tiraillée entre l’attachement profond à sa terre natale où il fait bon vivre et la nécessité de partir en ville pour y construire son avenir. Mais le personnage central du film reste cette banda dirigée avec brio et engagement par Thierry, professeur de musique, passeur d’art charismatique, témoin de nombreux destins. C’est lui qui voit les jeunes partir et ne pas revenir… Telle une seconde famille, la banda crée un lien social et affectif très fort. S’y déploie une solidarité intergénérationnelle qui rythme les rituels villageois de l’année, qu’il s’agisse des fêtes votives, des courses landaises… et parfois des enterrements. Ne serait-elle pas aussi un exutoire efficace pour les acteurs du monde agricole qui ont choisi de rester et de s’adapter face aux diverses épreuves : crise climatique, grippe aviaire, mildiou, etc. ?

Comédie dramatique française de Grégory Magne
avec Valérie Donzelli, Frédéric Pierrot, Mathieu Spinosi
Durée : 1h42

Astrid Thompson parvient enfin à réaliser le rêve de son père : réunir quatre Stradivarius pour un concert unique attendu par les mélomanes du monde entier. Mais Lise, George, Peter et Apolline, les virtuoses recrutés pour l’occasion, sont incapables de jouer ensemble. Les crises d’égo se succèdent au rythme des répétitions. Astrid se résout à aller chercher le seul qui, à ses yeux, peut encore sauver l’événement : Charlie Beaumont, le compositeur de la partition.

Nul besoin d’être musicien pour goûter pleinement cette percutante comédie humaine – même si ceux et celles qui ont tâté de la fanfare, de l’orchestre, du chant en bande organisée, ou de tout autre aventure de groupe profiteront d’autant mieux de toute la subtilité et la drôlerie d’une situation dépeinte au cordeau. Ici, la partition composée pour le film n’est pas destinée à l’accompagner, c’est plutôt le film qui accompagne la musique. La Musique qui constitue la trame sur laquelle se tisse l’histoire, se dévoilent les traits de caractère des personnages. C’est à travers elle que se trahissent leurs humeurs, c’est elle qui les fait trébucher comme l’arroseur arrosé qui se prend les pieds dans son tuyau, elle qui déshabille leurs fragilités plus que n’importe quelle réplique. La Musique n’est pas une petite rengaine qui souligne l’action, elle en est le cœur même. Pour l’interpréter, il ne fallait surtout pas des acteurs qui font semblant, mais de véritables musiciens capables de s’en emparer. Tout le casting a été tendu vers ce but : trouver une troupe de comédiens hors pair, qui aient des musiciens l’âme, l’oreille, et la maîtrise d’un instrument. Une réussite !

Venez-vous informer sur les projets citoyens autour de l’énergie ! Séance gratuite, projection suivie d’un échange avec les membres de la centrale villageoise « Pilat Watt » et d’un apéro convivial !

Documentaire réalisé par David Garrett Byars
Durée : 45 min

Le film montre comment redonner le pouvoir aux citoyens en matière d’énergie en présentant les histoires de pionniers de l’énergie communautaire. L’énergie citoyenne est un système de production d’énergie dans lequel des groupes de citoyens produisent leur propre énergie renouvelable en partageant les bénéfices économiques localement. D’ici à 2050, 260 millions de citoyens pourraient être impliqués dans ce mouvement et produire jusqu’à 45% de l’électricité en Europe, ce qui permettrait de créer des emplois locaux, de réduire les factures, d’améliorer l’environnement et de renforcer le tissu social.
We the Power engage les citoyens à imaginer un nouveau système énergétique, loin des grands monopoles contrôlant les systèmes de pouvoir et d’argent qui aggravent la crise climatique. À la place de ce modèle obsolète et nuisible, on trouve un système de production d’énergie renouvelable local, appartenant aux territoires, socialement innovant et économiquement bénéfique pour les communautés.

Polar français de Lawrence Valin
avec Lawrence Valin, Puviraj Raveendran, Vela Ramamoorthy
Durée : 1h39

Le quartier de « Little Jaffna » à Paris est le cœur d’une communauté tamoule vibrante, où Michael, un jeune policier, est chargé d’infiltrer un groupe criminel connu pour extorsion et blanchiment d’argent au profit des rebelles séparatistes au Sri Lanka. Mais à mesure qu’il s’enfonce au cœur de l’organisation, sa loyauté sera mise à l’épreuve, dans une poursuite implacable contre l’un des gangs les plus cachés et puissants de Paris.

Voilà un film tout à fait rare et réjouissant, qu’on a bien failli snober – la faute à quelques préjugés tenaces vis à vis d’un certain cinéma « de genre », vaguement exotique. Il vous est d’ailleurs chaudement recommandé de ne pas vous fier à une bande annonce un chouïa racoleuse, qui laisse penser que le film serait une sorte de pastiche de film de baston made in Kollywood (le pendant, au sud de l’Inde, du célèbre Bollywood), On le comprend très vite, en plus d’être un hommage particulièrement réussi au cinéma populaire français et un polar sur fond de guerre des gangs parfaitement réussi, Little Jaffna est un film brillant et délicat sur la quête d’identité, qui évoque avec pertinence un conflit et un génocide invisibilisés en France : la guerre civile qui, pendant un quart de siècle, opposa au Sri Lanka le gouvernement (cinghalais bouddhiste) au mouvement indépendantiste et marxiste des Tigres Tamouls, causant cent mille morts et des centaines de milliers de déplacés ou d’exilés.

Documentaire épygtien de Ayman El Amir et Nada Riyadh
Durée : 1h42 – en VOST

Dans un village du sud de l’Égypte, une bande de jeunes filles coptes se rebelle en formant une troupe de théâtre de rue. Rêvant de devenir comédiennes, danseuses et chanteuses, elles défient leurs familles et toute la communauté avec leurs performances audacieuses.

Six adolescentes courent dans les herbes hautes avant de plonger dans les eaux du Nil. Il y a de la joie, du soleil, des rires. Nous voilà comme dans un rêve. Ces images idylliques, qui ouvrent le documentaire Les Filles du Nil, viendront buter pendant l’heure quarante qui suit contre une réalité plus âpre. Celle du quotidien de ces jeunes femmes de Deir el-Bersha, un village copte situé à 300 kilomètres au sud du Caire, en Egypte. Leur force, elles la tirent du groupe et de leur passion pour l’art. Comédiennes, danseuses ou chanteuses amatrices, ces adolescentes forment une petite troupe de théâtre de rue. On assiste à des séances de répétition où elles tentent de transformer leur propre vécu en messages politiques ou poétiques. Œil d’or du Meilleur documentaire au Festival de Cannes 2024.

Film franco-canadien de Sophie Deraspe
avec Félix-Antoine Duval, Solène Rigot, Guilaine Londez
d’après le livre D’où viens-tu, berger ? de Mathyas Lefebure
Durée : 1h53

Sur un coup de tête, Mathyas troque sa vie de publicitaire à Montréal pour celle de berger en Provence. Il espérait trouver la quiétude, il découvre un métier éreintant et des éleveurs souvent à bout. Mais quand il rencontre Elise qui elle aussi vient de tout quitter, ils se voient confier un troupeau de 800 moutons et s’engagent dans une transhumance. Ensemble, ils vont traverser les épreuves de la montagne et se façonner une vie nouvelle.

La mise en scène, fluide mais inventive (notamment quand il s’agit de construire un cadre), sait laisser de l’espace aux interprètes quand il le faut. Le film aborde avec justesse et finesse des questions inhérentes au métier de berger – l’abandon progressif des traditions au profit de processus industrialisés, la faible présence des femmes dans le secteur agricole, le maintien de la biodiversité et les dilemmes qu’il engendre, la question du respect des animaux… Tout cela transparaît à travers des dialogues percutants, portés par des personnages qui refont le monde un dimanche soir, un jaune scotché à la main ou au détour d’un remontage de bretelles suite à une bêtise d’amateur. Entre questions existentielles et enjeux sociétaux, Bergers embrasse un spectre large dans ses thématiques sans jamais trahir son rythme. On se prend d’affection pour un Félix-Antoine Duval tout en nuances, restant un mystérieux personnage à nos yeux tant son passé échappera au film, lui permettant d’incarner à merveille ce parfait inconnu qui nous donne, à nous aussi, une furieuse envie de tout plaquer.

Séance en écho à la Fête du Jeu du Pilat du 17 mai place Bancel !

Comédie franco-belge de Lenny et Harpo Guit
avec María Cavalier-Bazan, Axel Perin, Michael Zindel, Melvil Poupaud, Catherine Ringer
Durée : 1h26

Armande Pigeon, 26 ans, vit à Bruxelles. Endettée jusqu’au cou, sans emploi stable ni logement, la jeune femme a du mal à joindre les deux bouts, elle squatte chez les uns et les autres, se nourrissant des invendus du marché aux fruits et légumes ou chipant des objets sans valeur pour les revendre aux brocanteurs du coin. Armande aime viscéralement jouer aux jeux de hasard. Aux dés, au Monopoly, à pile ou face, à deviner le nom de quelqu’un… elle tente de provoquer sa chance aux quatre coins de Bruxelles en pariant sur tout et n’importe quoi. Une manière pour elle de conjurer un destin pas franchement lumineux…

Les frères Guit inventent une héroïne des temps modernes à la recherche du grand amour, parieuse forcenée dont la propension à jouer sa vie n’égale que celle à échouer dans chacun des défis qu’elle se lance. Un personnage qui porte l’art de perdre à un niveau épique. À 26 ans, sans travail fixe, Armande Pigeon (Maria Cavalier-Bazan) est réduite à louer pour 150€ un bout de salon chez Delphine, une logeuse revêche (Catherine Ringer), qui n’en peut plus des dettes de la jeune femme et menace de l’expulser. S’ensuit une série de scènes aussi drôles que malaisantes, où Armande Pigeon multiplie les rencontres et dépasse les limites de la bienséance. Elle tient tête, ose, drague à tout-va, ne s’apprête jamais. Aimer perdre se déploie ainsi à rebours des valeurs en vogue.