Documentaire argentin de Lucrecia Martel

Durée : 2h03 – en VOST

Argentine, 2009. Trois hommes blancs tentent d’expulser les membres de la communauté autochtone Chuschagasta, revendiquant la propriété des terres. Armés, ils tuent le chef de la communauté, Javier Chocobar. Le meurtre est filmé, et en 2018, après neuf ans d’impunité et des siècles d’histoire coloniale, le procès s’ouvre.

Plus qu’une chronique judiciaire Nuestra tierra propose une immersion attentive dans la lutte des communautés indigènes du nord-ouest argentin pour la reconnaissance et la défense de leur territoire ancestral. À travers des assemblées, des prises de paroles, des moments de discussions et d’attente se dessine une résistance patiente face à l’État, aux institutions et aux intérêts économiques. La terre, ici, n’est pas une abstraction : elle est mémoire, subsistance, lien spirituel et politique. La réalisatrice filme les gestes, les silences et les voix qui se chevauchent ; elle laisse émerger une expression collective trop souvent ignorée et marginalisée. Nuestra tierra refuse toute hiérarchisation des discours, Lucrecia Martel ne se place jamais en surplomb ; elle accompagne, écoute, laisse le temps aux mots de se construire. Ce choix donne au film une force singulière : celle de restituer une lutte dans sa complexité, sans simplification ni héroïsation. Œuvre de résistance autant que de transmission, Nuestra tierra interroge la notion même de propriété, les héritages coloniaux et la possibilité d’un autre rapport au monde. Ce film bouleversant et essentiel transforme l’acte de regarder en un geste politique et le cinéma en espace de partage et de vigilance.

Comédie française de Mathias et Colas Rifkiss, avec Sébastien Chassagne, Louise Massin, Oussama Kheddam

Durée : 1h38

Denis et Céline rêvent d’avoir un enfant. Après des années d’inséminations artificielles infructueuses, ils se lancent dans le plan de la dernière chance : demander à Piche, un ancien camarade de classe dont Denis était le souffre-douleur, de les aider. Pourquoi lui ? Parce qu’il est le seul à avoir déjà mis Céline enceinte, à 17 ans, à la soirée d’Églantine Despontin… Mais l’irruption de ce célibataire farouchement anti-mômes va bousculer leur couple de manière inattendue…

Le récit est servi par l’interprétation excellente des quatre comédien·nes aux tempéraments magnifiquement changeants. Derrière une forme plutôt classique, cette comédie de situation qui s’empare de son sujet avec sensibilité, fait particulièrement mouche avec ses deux personnages féminins, Céline et Mégane (la petite amie de Piche). Celles-ci bousculent avec justesse certaines des images encore stéréotypées qui collent au rapport des femmes à la maternité. Plus largement, ce premier long-métrage des jumeaux Mathias et Colas Rifkiss, s’amuse à bousculer les injonctions à la parentalité. Un film qui fait aussi bien rire que réfléchir, en toute simplicité ! 

Projection en avant-première, en présence du réalisateur, suivie d’une table ronde. Séance inscrite dans le festival du Studio d5, studio de danse à St-Julien-Molin-Molette.

Documentaire français de Arnold Pasquier

Durée : 1h39

À Wuppertal, deux danseurs apprennent Orphée et Eurydice de Pina Bausch sous la direction de Dominique Mercy, créateur du rôle d’Orphée en 1975. Entre répétitions et travail avec le corps de ballet, la transmission s’affine, reconstruisant patiemment cette œuvre majeure du Tanztheater, jusqu’à la Première.

« Début juin 2021, en parcourant le programme de saison du Tanztheater-Pina Bausch, installé en Allemagne, j’apprends que l’opéra-ballet Orphée et Eurydice (1975) sera repris en avril 2022 à Wuppertal avec les danseurs de la compagnie. La nouvelle est d’importance, car l’œuvre n’a pas été remontée depuis près de trente ans. J’écris à Dominique Mercy, danseur aujourd’hui retraité, ami de longue date et créateur du rôle d’Orphée, pour savoir s’il participera à cette reprise. Orphée et Eurydice est une œuvre phare du premier répertoire de Pina Bausch. Aux côtés d’Iphigénie en Tauride (1974) et du Sacre du Printemps (1975), elle marque l’émergence d’une écriture chorégraphique singulière, développée en collaboration avec son compagnon scénographe Rolf Borzik, et qui fera d’elle une figure majeure du XXe siècle. Filmer aujourd’hui les répétitions de ce spectacle dans les lieux mêmes de sa création, à Wuppertal – ville imprégnée par des décennies de présence du Tanztheater – représente une occasion unique. C’est l’opportunité inespérée d’exprimer, à travers un film, mon attachement à un ballet, à ses interprètes et à une chorégraphe qui a marqué l’histoire de la danse. » – Arnold Pasquier

Film espagnol de Carla Simón, avec Llúcia Garcia, Mitch, Tristán Ulloa

Durée : 1h55 – en VOST – Tout public avec avertissement

Afin d’obtenir un document d’état civil pour ses études supérieures, Marina, adoptée depuis l’enfance, doit renouer avec une partie de sa véritable famille. Guidée par le journal intime de sa mère qui ne l’a jamais quittée, elle se rend sur la côte atlantique et rencontre tout un pan de sa famille paternelle qu’elle ne connait pas. L’arrivée de Marina va faire ressurgir le passé. En ravivant le souvenir de ses parents, elle va découvrir les secrets de cette famille, les non-dits et les hontes… Il va s’agir alors de rassembler les pièces manquantes d’un puzzle familial aussi complexe que douloureux… Les deux parents de Marina sont morts peu après sa naissance, fauchés par le sida, cet invité fatal au grand banquet débridé de la Movida, après la dictature franquiste.

Passé et présent se mêlent dans un récit dense et sensoriel. La jeune actrice Llúcia Garcia porte ce film avec une force et une grâce sidérantes, qui donnent à son personnage une maturité que l’on n’attend pas d’une fille de dix-huit ans qui découvre la lâcheté et la pourriture derrière la façade respectable de la bourgeoisie. Romería est un film sur la quête des origines, sur la famille, ses secrets, ses mensonges, sa veulerie… Mais c’est aussi un film sur le pouvoir des images et de l’imagination, sur la puissance du cinéma et de la fiction pour transcender la réalité en la regardant en face.
Enfin Romería met au jour le hors champ de l’épidémie de SIDA où sont tombés, en Espagne comme en France, des milliers d’usagers de drogue par voie intraveineuse dans les années 1980 et 1990. Des victimes beaucoup moins présentes dans la mémoire collective que celles de la communauté gay qui a su faire de sa visibilité une arme de combat. Pourtant ces femmes et ces hommes se sont aussi battus contre le VIH, dans leurs corps et dans le corps social, au sein de collectifs et de groupes d’auto-support. Faisant avancer les programmes d’échange de seringues et de substitution à l’héroïne, ils et elles ont défendu leurs droits et leur dignité. En les sortant de l’ombre, ce très beau film, le 3ème long métrage de la cinéaste catalane, leur rend hommage.

Documentaire américano-français de Raoul Peck, avec Eric Ruf, Damian Lewis

Durée : 2h – en VOST

1949. George Orwell termine ce qui sera son dernier mais plus important roman, 1984. Orwell : 2+2=5 plonge dans les derniers mois de la vie d’Orwell et dans son œuvre visionnaire pour explorer les racines des concepts troublants qu’il a révélés au monde dans son chef-d’œuvre dystopique : le double discours, le crime par la pensée, la novlangue, le spectre omniprésent de Big Brother… des vérités sociopolitiques qui résonnent encore plus puissamment aujourd’hui. Par un montage virtuose (collage d’archives, d’extraits des adaptations cinématographiques, d’images historiques et contemporaines…), Raoul Peck dévoile la pertinence de la pensée d’Orwell pour décrypter le monde d’aujourd’hui. Son documentaire, éminemment politique, est aussi saisissant que terrifiant.

« Pourquoi Orwell ? Pourquoi maintenant ? Aujourd’hui, nous avons la réponse. Il a tout vu. Tout analysé. Tout prédit. Il est presque ironique de constater à quel point chacun cherche désormais à se réclamer de lui. Il est salué comme un prophète de l’apocalypse ; accusé d’avoir trahi les idéaux socialistes ; diabolisé comme un colonisateur ; instrumentalisé par des néo-conservateurs en quête de légitimité ; vénéré comme un messie par ceux qui recherchent une foi aveugle. Il demeure pourtant singulier, à la fois intransigeant et indomptable. Son nom est devenu un adjectif évocateur – orwellien – pour désigner les mécanismes autoritaires et les mutations de notre monde contemporain. Ses formules littéraires et ses idées sont reprises en permanence, telles quelles ou sous de nouvelles déclinaisons. Il est désormais partout autour de nous. En ces temps d’incertitude, près d’un siècle plus tard, le moment est venu de confronter le mythe à la réalité. » Raoul Peck

Projection programmée à l’occasion du vide-grenier organisé par la Sou des écoles

Comédie familiale française de Philippe Lacheau, avec Philippe Lacheau, Jamel Debbouze, Élodie Fontan

Durée : 1h39 – Tout public dès 6 ans

Pour sauver son emploi, David accepte un plan foireux : ramener un mystérieux colis d’Amérique du Sud. Il se retrouve à bord d’une croisière avec son ex Tess, son fils Léo, et son collègue Stéphane, aussi benêt que maladroit, dont David se sert pour transporter le colis à sa place. Tout dérape lorsque ce dernier l’ouvre accidentellement : un adorable bébé Marsupilami apparait et le voyage vire au chaos !

Burlesque exubérant, humour absurde, vannes en rafale, références parodiques au ciné américain des années 80, quelques détours sous la ceinture, mais aussi un humour bon enfant autour d’une histoire visant finalement à dénoncer le trafic d’animaux. Ce Marsupilami de Philippe Lacheau n’a pas la mélancolie de son prédécesseur (d’Alain Chabat) ni sa facétie d’opérette, mais il assume sa nature de comédie pop contemporaine, généreuse. Grâce à un savant mélange réunissant l’esprit de la BD de Franquin, l’humour potache du réalisateur, l’énergie de Jamel et la mignonnerie du héros à poils jaunes, cette comédie vitaminée et drôle divertira toute la famille.

Un invité en début de séance : court-métrage et intervention du réalisateur Oliver Arnold, en préambule au film de la soirée, Ceux qui comptent, qui débutera à 21h

Comédie dramatique française de Jean-Baptiste Leonetti, avec Sandrine Kiberlain, Pierre Lottin, Louise Labeque

Durée : 1h38

Rose et Jean n’ont rien en commun. Rose est une force de la nature qui affronte tous ses problèmes avec une désarmante joie de vivre. Elle campe avec ses 3 enfants à l’étage de l’hôtel de famille qui ne leur appartient plus, et non, ils ne sont pas pauvres, ils sont fauchés. C’est temporaire. Jean est un homme solitaire et taciturne qui a fini par enfouir son grand cœur sous des couches de pudeur et de résignation. Quand il arrive malgré lui dans cette famille hors norme, il va très vite devenir indispensable. Qu’attendaient-ils avant de se rencontrer ? Sans doute plus rien. Et pourtant, ensemble, tout va devenir possible.

Jean et Rose se rencontrent par hasard dès le début du film dont les premières minutes relèvent d’une audace comique rare dans le cinéma français contemporain! Ces deux marginaux attachants forment peu à peu un duo mal assorti, mais particulièrement touchant. Le film affirme d’emblée un ton irrévérencieux, porté par une liberté qui ne le quittera jamais tout à fait. Ni farce, ni romance, il déjoue toutes les issues évidentes, pour développer une fable tendre, touchante et drôle sur la solidarité. Porté par une Sandrine Kiberlain éclatante de fantaisie et un Pierre Lottin en pleine maturité artistique, Ceux qui comptent raconte la rencontre de deux solitudes, avec une liberté de ton et une humanité rares, sans jamais céder au misérabilisme. Le film s’attache moins aux explications qu’à ce qui circule entre les êtres, dans ces espaces fragiles où une forme de famille finit par émerger, sans jamais être nommée comme telle.

Film multinational (Maroc, France, Espagne, Allemagne, Belgique) de Maryam Touzani avec Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane

Durée : 1h57 – en VOST

Maria Angeles, une Espagnole de 79 ans, vit seule à Tanger, dans le nord du Maroc, où elle profite de sa ville et de son quotidien. Sa vie bascule lorsque sa fille Clara arrive de Madrid pour vendre l’appartement dans lequel elle a toujours vécu. Déterminée à rester dans cette ville qui l’a vue grandir, elle met tout en œuvre pour garder sa maison et récupérer les objets d’une vie. Contre toute attente, elle redécouvre en chemin l’amour et le désir.

Après Le Bleu du caftan, la Marocaine Maryam Touzani revient avec une emballante tragi-comédie en forme d’hommage à sa ville natale, Tanger, et à sa grand-mère andalouse, à laquelle est dédié le film. Maryam Touzani est une cinéaste des émotions. Le récit suit la lente renaissance de Maria Angeles. Elle filme avec douceur la redécouverte de son corps, de son désir, de sa sensualité. Elle ajoute même une touche de malice irrésistible quand Maria Angeles raconte avec force détails ses aventures à son amie Josepha, bonne sœur ayant fait vœu de silence. Pour récupérer son appartement, Maria Angeles trouve également une idée à la fois conviviale et transgressive. Porté par une Carmen Maura exceptionnelle, Rue Málaga est à la fois courageux, subversif, drôle, touchant… et tout simplement beau. Une formidable tragi-comédie sur l’enracinement et la force de la vieillesse !

Film français de Mélisa Godet, avec Karin Viard, Laetitia Dosch, Eye Haïdara

Durée : 1h50

À la Maison des femmes, entre soin, écoute et solidarité, une équipe se bat chaque jour pour accompagner les femmes victimes de violences dans leur reconstruction. Dans ce lieu unique, Diane, Manon, Inès, Awa et leurs collègues accueillent, soutiennent, redonnent confiance. Ensemble, avec leurs forces, leurs fragilités, leurs convictions et une énergie inépuisable.

Dans ce lieu pionner où soins, écoute et solidarité s’entremêlent pour accompagner les femmes victimes de violences sur le chemin de la reconstruction, il y a toujours beaucoup de vie, de mouvement, d’agitation. On y vit au rythme des désillusions sur les soutiens budgétaires, sur la peur de manquer de moyens, sur les petits conflits au sein des équipes – parce qu’on n’a pas toujours la même vision du monde – et sur l’attachement indéniable, et parfois douloureux, aux patientes. Dans la maison on rit, on pleure, on se soutient, bref, une maison comme un idéal de société où chacun·e apporte sa pierre à l’édifice à sa façon, dans l’entraide et le respect. Inspiré de faits très réels, cette fiction a l’immense mérite de rendre visible l’extraordinaire travail de ces équipes au service des femmes, de nous faire pénétrer dans les coulisses d’une structure portée à bout de bras par des professionnel·les de multiples disciplines investi·es d’une même mission de service public, celle du soin. Ces infirmières, médecins, psychologues, thérapeutes, assistantes sociales, secrétaires… au service de leurs semblables, dans cette Maison qui est aussi un peu la leur. Ce film à vocation populaire, prouve que l’émotion au cinéma peut devenir d’utilité publique !

Film policier franco-belge de Pascal Bonitzer, avec Denis Podalydès, Anne Alvaro, Manuel Guillot

Durée : 1h20

Le commissaire Maigret est appelé en urgence au Quai d’Orsay. Monsieur Berthier-Lagès, ancien ambassadeur renommé, a été assassiné. Maigret découvre qu’il entretenait depuis cinquante ans une correspondance amoureuse avec la princesse de Vuynes, dont le mari, étrange coïncidence, vient de décéder. En se confrontant aux membres des deux familles et au mutisme suspect de la domestique du diplomate, Maigret va aller de surprise en surprise…

Il y a du théâtre et de la tragédie antique dans cette histoire, et Pascal Bonitzer ne s’y est pas trompé en choisissant des interprètes essentiellement issus de la scène avec, au centre, Denis Podalydès de la Comédie Française, qui prête sa verve et sa malice au commissaire Maigret. Pas du tout bedonnant, pas franchement corpulent, il impose pourtant son incarnation du personnage avec ses trois accessoires cultes – un pardessus, un chapeau, une pipe, comme autant de vestiges d’un autre âge, anachronisme délicieux dans ce récit censé se dérouler au début du XXIe siècle –, avec sa détermination aussi vive que son esprit, avec son verbe incisif et sa normalité joyeuse. Mais c’est toute la distribution, étincelante, qu’il faudrait citer : on en distinguera l’exceptionnelles Anne Alvaro (immense tragédienne qui sait que jouer le drame exige de l’humour). Ce qui fait du bien également, c’est cette sensation de glisser, le temps d’un film, dans une bulle hors du temps, loin du fracas du monde, de sa course assommante à la modernité, et de voir à l’œuvre l’intelligence, la profondeur du récit et l’incroyable vitalité de ses personnages. 

Projection suivie d’un échange avec le réalisateur, en partenariat avec l’AFPS et dans le cadre du festival Palestine en vue.

Documentaire de Iyad Alasttal

Durée : 1h40 – en VOST

Destructrice implacable, la guerre révèle aussi la force de l’esprit humain. Les citoyens de Gaza, des personnes pleines de talents, entre autres musiciens, artistes, journalistes, des femmes, des hommes, des enfants, donnent vie à leurs inspirations malgré la souffrance infinie et transforment la douleur en énergie qui transcende le temps. Ainsi, la vie sous les bombardements, malgré son horreur, devient un témoignage poignant de la lutte pour la paix et la dignité.

Pour l’honneur de Gaza est un récit de survie mais aussi d’espoir, où l’amour et l’attachement à la vie du peuple palestinien à Gaza illuminent les jours sombres qu’ils endurent depuis plus de 17 mois. Un récit qui rappelle à chacun que, malgré la guerre et la destruction, la vie continue dans les camps et sous les tentes, et qui prouve que, même dans l’adversité, l’humanité du « peuple de Gaza » demeure indomptable.

Projection inscrite dans l’événement « Ecran nature, des films pour tous les regards », précédée d’une sortie oiseaux avec la LPO à 18h sur inscription et suivie d’un échange avec le réalisateur (+ d’informations à venir…)

Documentaire français de Guillaume Mazille

Durée : 1h26

Dans une rivière paradisiaque du sud de la France, un cinéaste globe-trotter, bloqué par la Covid, tourne un film poétique et introspectif sur la vie animale de sa région. Mais bientôt, une sécheresse met en péril la source de la rivière, menaçant l’existence même des animaux qu’il a appris à aimer. La formidable puissance de la vie triomphera-t-elle ?

Guillaume Mazille parcourt le globe depuis plus de 20 ans pour observer la nature et dénicher des espèces encore peu observées. Il travaille pour des journaux comme VSD, Paris Match, image doc, GEO ado, ou encore Terre Sauvage, BBC Wildlife magazine… Son film parle de petites bêtes, des petites choses de la vie, anodines de prime abord, qui entreront en résonance avec notre environnement proche et nos sociétés humaines. Il tente de donner des pistes sur ce que pourrait être la place de l’homme dans un futur proche.

Encore un vendredi 13 à Cinémolette !

Thriller sud-coréen de Park Chan-Wook avec Lee Byung-Hun, Ye-jin Son, Park Hee-Soon

Durée : 2h19 / Interdit -12 ans – en VOST

Cadre dans une usine de papier You Man-su est un homme heureux, il aime sa femme, ses enfants, ses chiens, sa maison. Lorsqu’il est licencié, sa vie bascule, il ne supporte pas l’idée de perdre son statut social et la vie qui va avec. Pour retrouver son bonheur perdu, il n’a aucun autre choix que d’éliminer tous ses concurrents…

Park Chan-wook adapte Le Couperet, le roman (très) noir, teigneux, cruellement drôle de l’américain Donald Westlake. Dans une mise en scène au cordeau, d’une époustouflante beauté, les aventures tragi-comiques et sanglantes du cadre qui se mue en meurtrier pour assurer la survie sociale de sa famille épousent parfaitement les contours de la société coréenne, corsetée par la sacro-sainte « valeur travail », qui a érigé la compétition en modèle indépassable. Assez proche dans la satire sociale du Parasite de son compatriote Bong Joon-ho, le réalisateur des remarquables Old boy, Mademoiselle ou Decision to leave contribue avec Aucun autre choix à dresser un portrait pas vraiment glamour du « miracle économique » coréen. Y aurait-il du tangage social au Pays « du matin [pas si] calme » ? 

À l’occasion de la Journée internationale des droits des femmes !

Documentaire de Nora Philippe

Durée : 1h38 – en VOST

En 2015, la réalisatrice débarque à New York avec un bébé dans les bras. En quête d’alliées pour renégocier maternité et féminisme et pour repenser le monde dans lequel sa fille grandira, elle découvre Barnard College, une prestigieuse université pour femmes. Sa rencontre avec Evy, Lila, Anta et Talia, quatre étudiantes engagées, marque le début d’un voyage intime et politique qui durera dix ans, de la fin des années Obama à l’avènement du fascisme trumpien. Tandis qu’elles construisent leur vie adulte, elles sont traversées par #MeToo, la crise climatique, Black Lives Matter ; elles ont 30 ans aujourd’hui et représentent les visages de la résistance, chacune militant pour une cause différente… Une histoire de sororités !

Issue d’une lignée de femmes qui engendraient des filles, la documentariste Nora Philippe a, elle aussi, donné naissance à une enfant. A son tour, elle s’est sentie « enfermée dans son genre, entre les quatre murs de sa maison ». Installée à New York, où son compagnon d’alors est venu enseigner, elle s’est mise « en quête de grandes sœurs et de petites sœurs, pour recomposer [sa] liberté et concevoir [son] prochain film ». Ainsi commence ce documentaire puissant, qui l’a menée en 2015 à la rencontre d’Anta, Evy, Lila et Talia, étudiantes au Barnard College, établissement pour filles affilié à Columbia University. Quatre jeunes femmes aux convictions politiques solides et portées à la militance, qu’elle entend suivre pendant trente ans. Des premières dix années passées à les filmer dans leurs combats et leurs orientations, Nora Philippe a tiré un premier opus plein de vie, de fantaisie et d’émotion, dans lequel l’engagement prend des formes diverses et résonne particulièrement sous la première présidence Trump – le film se clôt sur l’annonce de la seconde. Luttes pour le climat ou pour le droit des femmes, contre le racisme et le sectarisme : autant de thèmes honnis par le nouveau maître de la Maison-Blanche. « Je ne pensais pas te faire naître à l’heure du retour des fascismes, glisse Nora Philippe à sa fille de 9 ans. Je te souhaite de puiser dans de nouvelles sororités les batailles qui viennent. » À travers cette chronique, c’est à nous toustes qu’elle s’adresse.

Soirée L’après Festival du Premier Film d’Annonay, d’Est en Ouest : Left-handed girl à 18h30 suivi de Rebuilding à 21h30 – Petite restauration proposée à prix libre entre les 2 films

Film américain de Max Walker-Silverman avec Josh O’Connor, Meghann Fahy, Kali Reis

Durée : 1h35 – en VOST

Dans l’Ouest américain, dévasté par des incendies ravageurs, Dusty voit son ranch anéanti par les flammes. Il trouve refuge dans un camp de fortune et commence lentement à redonner du sens à sa vie. Entouré de personnes qui, comme lui, ont tout perdu, des liens inattendus se tissent. Porté par l’espoir de renouer avec sa fille et son ex-femme, il retrouve peu à peu la volonté de tout reconstruire.

La nature est dévastée, mais le paysage dans lequel Dusty évolue n’est pas vide : de sa fillette à son ex-belle famille, en passant par ses voisins d’infortune, chaque portrait sonne juste, chaque silhouette est dessinée avec la même attention délicate. À travers tous ces personnages, le réalisateur et scénariste remet un peu de lumière dans les décombres, sans pour autant céder à la naïveté d’un récit entièrement réconfortant. La possibilité de « reconstruction » (« rebuilding », donc), ténue mais têtue, commence toujours par des contre-feux humains.

Soirée L’après Festival du Premier Film d’Annonay, d’Est en Ouest : Left-handed girl à 18h30 suivi de Rebuilding à 21h30 – Petite restauration proposée à prix libre entre les 2 films

Film taïwanais de Tsou Shih-ching avec Janel Tsai, Shih-Yuan Ma, Nina Ye, Brando Huang, Akio Chen, Xin-Yan Chao

Durée : 1h49 – en VOST

Une mère célibataire et ses deux filles arrivent à Taipei pour ouvrir une petite cantine au cœur d’un marché nocturne de la capitale taïwanaise. Chacune d’entre elles doit trouver un moyen de s’adapter à cette nouvelle vie et réussir à maintenir l’unité familiale. Trois générations de femmes qui racontent toutes à leur manière le poids des traditions, l’envie de modernité et la difficulté à exister entre les secrets, les non-dits et la peur du rejet social.

Toujours en mouvement dans l’effervescence de ce marché nocturne aux couleurs pop, plein de lumière, de son et de vie, la cinéaste suit au plus près ses trois protagonistes dans ces lieux exigus, avec une énergie qui nous emporte avec elles. Face aux attentes culturelles d’une famille aux traditions patriarcales – pour laquelle la peur du jugement ou du rejet social compte plus que les blessures qu’elle engendre – Shih-Ching Tsou brosse, avec une grande ingéniosité, un portrait de femmes tentant d’affirmer leur identité personnelle. En s’inspirant de ses souvenirs d’enfance, elle signe un film aussi drôle que touchant !

Documentaire français de Eliane de Latour

Durée : 1h42

Ours, loups, bouquetins, bisons… sous un soleil d’hiver. Un rêve ancien reprend souffle avec quatre femmes en proximité avec la faune sauvage qui explorent nos relations au vivant à travers la réparation, la réflexion, l’art et le « vivre-avec ». Quatre parcours exceptionnels qui nous invitent à décentrer notre regard humain et à repenser nos manières d’habiter le monde à l’heure de la crise climatique.

Animus Femina met en lumière une relation féminine au vivant, lucide et engagée, qui interroge nos modèles de domination et propose d’autres récits inspirants pour les générations futures. Spectateurs et spectatrices récemment émerveillé·es par Le chant des forêts, ne passez pas à coté de cet autre film remettant en question nos manières d’habiter le monde à l’ère du basculement écologique que nous traversons !

Séance spéciale en présence du réalisateur David Garcia, des acteurs et actrice Jean-Marc Capparos, Noémie Guillot et Aurélien Dauchez et des représentants du Clos du Nid, projection suivie d’un échange avec l’équipe. Entrée libre et gratuite.

Film écrit et réalisé en 2025 par David Garcia et interprété par Jean-Marc Capparos, Noémie Guillot, Roxane Gosselin et Aurélien Dauchez

Durée : 1h10, tout public

10h10 est un road movie inclusif mettant en scène les résidents et éducateurs du Clos du Nid. Tourné entre le Pôle bois de Marvejols, le cirque de Navacelle et Port-Leucate, le film raconte le road trip d’un résident parti retrouver son fils, abordant avec sensibilité la parentalité et la fin de vie. Accompagnés par les dispositifs Atom et Satelli, les participants s’investissent pleinement dans ce projet de six mois, mêlant répétitions et tournage, illustrant la créativité et l’engagement de chacun dans une expérience artistique inclusive et fédératrice. Le court-métrage tiré du film a été sélectionné au festival « Regards croisés » de Saint-Malo en novembre 2025.

Ce film est le résultat d’une collaboration sur la thématique du handicap entre :

La Compagnie du Lézard :
Basée à Mende, en Lozère, la Compagnie du Lézard intervient auprès des personnes en situation de handicap depuis de nombreuses années. Elle s’est spécialisée dans la réalisation de films moyens et longs métrages, avec des éducateurs et des résidents. Ces créations abordent avec sensibilité des problématiques sociétales : la parentalité, la fin de vie, l’inclusion, l’empowerment…

Le Clos du Nid :
Le Clos du Nid à Marvejols accompagne des personnes en situation de handicap en proposant des lieux de vie adaptés, un accompagnement personnalisé et des actions favorisant l’autonomie et l’inclusion. Ancrée dans son territoire, l’association œuvre chaque jour pour offrir un cadre sécurisant, humain et ouvert sur la vie sociale.

L’association Nid d’Auvergne :
Le foyer occupationnel, créé en 1982 à la suite de la reconversion d’un Institut Médico-Professionnel, accueille aujourd’hui 48 adultes en situation de handicap mental, quelle que soit la nature ou le degré de leur handicap. La mission est d’offrir à chacun un cadre de vie sécurisé et épanouissant, fondé sur l’accueil, le soin et un accompagnement social et éducatif personnalisé. Le foyer s’appuie sur l’expertise de plus de 40 professionnels qualifiés, engagés au quotidien pour favoriser le bien-être, l’autonomie et la qualité de vie des résidents.

Film américain de Jim Jarmusch, avec Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps

Durée : 1h51 – en VOST

Father Mother Sister Brother est un long-métrage de fiction en forme de triptyque. Trois histoires qui parlent des relations entre des enfants adultes et leur(s) parent(s) quelque peu distant(s), et aussi des relations entre eux. Trois histoires d’une quarantaine de minutes, situées dans le New Jersey, à Dublin, puis à Paris. Pour chacune, le cinéaste américain respecte à peu près le même déroulé : un trajet en voiture des (grands) enfants jusqu’au domicile parental, suivi d’un moment de « convivialité » partagé. Si chacun connaît les manies de l’autre, parents et enfants restent des énigmes les uns pour les autres. Par essence, mais aussi par volonté de se complaire dans une image faussée.

Ce film a été récompensé du Lion d’or à la Mostra de Venise 2025.

Jim Jarmusch a toujours pratiqué l’art du décalage, avec ses récits poétiques et minimalistes à l’humour pince-sans-rire. Un art du détail aussi, qui s’épanouit ici. Les deux premiers segments sont emplis de malaise et de silence, qui captent à la perfection cette distance. La réunion familiale prend la forme d’un jeu de dupes où chacun est ramené à un rôle attendu, en matière de genre ou de réussite. Contrepoint brillant et sentimental, la dernière partie rappelle combien la rupture de cette connexion – même fragile – peut faire l’effet d’une déflagration, tout en explorant la mémoire précieuse des racines et la puissance empathique de la fraternité.

Film d’animation de Irene Iborra, d’après le roman Olivia de Maite Carranza.

Durée : 1h11 – à partir de 8 ans

À 12 ans, Olivia voit son quotidien bouleversé du jour au lendemain. Elle va devoir s’habituer à une nouvelle vie plus modeste et veiller seule sur son petit frère Tim. Mais, heureusement, leur rencontre avec des voisins chaleureux et hauts en couleur va transformer leur monde en un vrai film d’aventure ! Ensemble, ils vont faire de chaque défi un jeu et de chaque journée un moment inoubliable.

Olivia a pour ambition de raconter, à hauteur du public pré-adolescent, une histoire de crise sociale. C’est un film sans pathos et plein de débrouilles, qui aide à grandir malgré les difficultés, avec comme outils, la force de l’imagination, la solidarité au quotidien, l’art de faire avec peu, d’oser demander de l’aide… D’une façon plutôt optimiste, nous sommes devant un Ken Loach de l’animation jeune public. Un film à voir résolument en famille, entre ami·es, et qui permettra d’aborder ces sujets dans de belles conversations, et peut-être même de construire un monde meilleur ! 

Ciné-frissons ! Interdit – 12 ans

Film franco-polonais de Julia Kowalski, avec Maria Wróbel, Roxane Mesquida, Wojciech Skibinski

Durée : 1h35

La jeune Nawojka, qui vit avec son père et ses frères dans la ferme familiale, cache un terrible secret : un pouvoir monstrueux, qu’elle pense hérité de sa défunte mère, s’éveille chaque fois qu’elle éprouve du désir. Lorsque Sandra, une femme libre et sulfureuse originaire du coin, revient au village, Nawojka est fascinée et ses pouvoirs se manifestent sans qu’elle ne puisse plus rien contrôler.

Chronique paysanne âpre d’un côté, récit d’initiation satanique de l’autre, Que ma volonté soit faite est une pure expérience sensorielle à l’image rugueuse, accompagnée d’une bande-son qui puise dans le jazz, le doom et le black metal. Le mal suinte dans chaque plan, nous entraînant dans la folie de ses personnages jusqu’à l’embrasement. Voilà un film qui vient des tréfonds de l’âme, réalisé par une cinéaste initiée à la magie noire. Que ma volonté soit faite, deuxième long-métrage de Julia Kowalski fait partie de ces œuvres très personnelles aux références enfouies, aux sous-couches intimes, cinéphiliques. 

Documentaire français de François-Xavier Drouet

Durée : 1h55

Le souffle révolutionnaire qu’a connu l’Amérique latine au XXe siècle doit beaucoup à la participation de millions de chrétiens, engagés dans les luttes politiques au nom de leur foi. Portés par la théologie de la libération, ils ont défié les régimes militaires et les oligarchies au péril de leur vie. À rebours de l’idée de la religion comme opium du peuple, le film part à la rencontre d’hommes et de femmes qui ont cru voir dans la révolution l’avènement du Royaume de Dieu, sur la terre plutôt qu’au ciel.

Voilà un film passionnant, salutaire, qui nous parle d’un temps et d’une Histoire que les moins de… cinquante ans (environ) ne peuvent pas connaître. Une histoire de religion et de politique qu’il est bon de remettre en lumière, car il fut un temps finalement pas si éloigné où, convaincus de l’essence révolutionnaire du christianisme, une grosse poignée de prêtres, curés, femmes et hommes d’Église ont voulu croire en l’avènement du Royaume de Dieu sur la terre plutôt qu’au ciel et pris fait et cause pour « le peuple » contre les oligarques, propriétaires terriens, colons, militaires au pouvoir. C’était dans les années 1960 à 1980, à travers une Amérique Latine alors en proie aux dictatures, du Salvador au Mexique en passant par le Brésil, installées et financées en sous-main par les USA. Si la hiérarchie cléricale, dont l’histoire se confond avec la colonisation et le génocide des indigènes, est viscéralement anticommuniste et soutient les pouvoirs conservateurs, les représentants du bas clergé local (notamment jésuites ou dominicains) et de nombreuses religieuses, au contact de la misère de leurs ouailles, font preuve de plus en plus d’empathie avec les luttes populaires, soutiennent les soulèvements, certains prêtres prenant les armes au sein des guérillas, au nom du message du Christ. Et au grand dam des prélats et du Vatican.

« Le christianisme n’est pas l’opium du peuple, c’est l’opium de la bourgeoisie, qui vient calmer sa mauvaise conscience. » Leonardo Boff, théologien brésilien

Film brésilien de Kleber Mendonça Filho avec Wagner Moura, Gabriel Leone, Maria Fernanda Cândido

Durée : 2h40 – en VOST – Tout public avec avertissement

Brésil, 1977. Marcelo, un homme d’une quarantaine d’années fuyant un passé trouble, arrive dans la ville de Recife où le carnaval bat son plein. Il vient retrouver son jeune fils et espère y construire une nouvelle vie. Cependant, son projet de renouveau est compromis lorsque les échos de son ancienne vie refont surface.

En se nourrissant de ses souvenirs d’enfance, de l’actualité passée et présente, des recherches qu’il a pu mener, notamment celles effectuées durant sept ans et qui vont aboutir à la réalisation du documentaire Portraits fantômes (2023), Kleber Mendonça Filho compose une œuvre foisonnante et bouillonnante. Une œuvre protéiforme, qui résulte d’une hybridation de nombreux genres et registres : du thriller et du western à la critique politique, au fantastique échevelé et à l’absurde, au carnavalesque et au satirique… Entre cinéma d’auteur et série B, le réalisateur mêle allègrement mythe et réalité.

Ce film a été récompensé au festival de Cannes 2025 du Prix de la mise en scène et du Prix d’interprétation masculine pour Wagner Moura.

Séance spéciale en présence du réalisateur Michel Van Zele et de la chanteuse Michèle Bernard, projection suivie d’un échange, de quelques chansons et d’un apéro grignotte, libre participation aux frais

Documentaire français écrit et réalisé par Michel Van Zele, mis en musique et interprété par Michèle Bernard
Tourné en 16 mm couleur, 1984, produit par FR3 Lyon

Durée : 1h33

À la sortie de la guerre de 1939-1945, « la bataille du charbon » a été un enjeu crucial. Les mineurs ont été à l’avant-garde de ce défi économique. Ils ont répondu à l’appel du gouvernement en « retroussant leurs manches ». Au bout du compte, « ils l’ont eu jusqu’à l’os », selon l’expression de 1948 que cet opéra populaire dénonce à pleine voix.

Soleil noir, c’est une évocation chaleureuse de l’histoire des mineurs, les « gueules noires », toute une génération qui s’est sacrifiée pour la France pour redresser l’économie du pays après la guerre. Entre 1930 et 1970 les mineurs ont répondu à l’appel, ils ont gagné la bataille du charbon, puis on les a laissé crever. Ce film finalisé en 1984 après deux ans d’enquête montre des mineurs tous silicosés (cette silicose qui bétonne les poumons, cette poussière de charbon qui ramollit le cerveau et rend sourd), des extraits de films de propagande gouvernementale ou un effrayant document avec Maurice Thorez qui scande dans un discours : « Produisez, produisez, produisez ! L’intérêt de la classe ouvrière c’est de travailler ! » Soleil noir n’est tendre ni avec les syndicats, ni avec les médecins, ni avec le pouvoir, il a le grand mérite de montrer à la fois la réalité de la vie de mineur et l’emprisonnement des familles dans cet enfer…
Ces témoignages bouleversants sont illustrés par des vues de la mine aujourd’hui, par des films d’archives de la mine d’hier, par des extraits des actualités. Tout cela rythmé par des chansons réalistes qui viennent souligner les temps forts, laisser à l’émotion le temps de s’épanouir. Ces chansons ont été écrites par Michel Van Zele dans une langue simple et poétique, elles ont été mises en musique par Michèle Bernard qui les chante avec beaucoup de fougue. On n’est pas loin des goualantes de jadis, ou des chants révolutionnaires qui poussent spontanément dès que le peuple ouvre la bouche…

Comédie française de Benoît Delépine avec Samir Guesmi, Olivier Rabourdin, Solène Rigot, Pierre Lottin, Patrick Bouchitey

Durée : 1h29

Darius. Costume impeccable et (donc) valisette de représentant de commerce fixée au poignet, il débarque à l’aéroport de Beauvais (construit en pleine cambrousse à soixante kilomètres de la capitale) pour se rendre jusqu’au quartier affairiste et affairé de la Défense. Il est en mission mais atterrit sans avoir rien à déclarer, même pas carte bleue ni argent liquide… Qu’à cela ne tienne : il ira à pied à travers champs, zones commerciales, forêts et lotissements pavillonnaires. Son chemin est évidemment parsemé de rencontres improbables : une hackeuse anarcho-écologiste, un policier municipal surinvesti dans sa mission qui a vu trop de shérifs de cinéma… Mais surtout, Darius semble savoir parler non pas aux animaux, mais avec eux. Un peu comme Saint-François d’Assise, leur protecteur si l’on en croit les légendes médiévales. Ainsi notre porteur de valise s’entretient-il au fil de son périple avec un cerf, un renard, une chouette, une chenille, une mouche…

« Entre James Bond et Jacques Tati », est-il écrit en exergue sur l’affiche. Le compliment – bien trouvé par un journaliste de La Charente libre – n’est pas usurpé. Mais entre film de genre épuré et burlesque stylisé, Animal totem est probablement aussi, depuis Louise-Michel, le film le plus frontalement radical de son auteur.

Comédie dramatique française de Sébastien Betbeder avec Blanche Gardin, Philippe Katerine, Bastien Bouillon

Durée : 1h42

Après avoir passé des années à explorer les étendues glacées du Pôle Nord, Coline Morel débarque chez son frère qui vit dans la maison familiale de leur village natal du Jura. Ils ne se sont pas vus depuis des années car, en tant qu’exploratrice polaire renommée, elle a toujours voyagé au-delà de la civilisation et a perdu le contact avec sa famille. Elle lui dit qu’elle veut rester un certain temps pour écrire un livre…

Blanche Gardin, Philippe Katerine et Bastien Bouillon, tous trois formidables, font assaut d’ironie vacharde avec un plaisir communicatif, ce qui rend la plupart de leurs échanges hilarants. Une façon bien sûr de canaliser les sentiments à fleur de peau qui menacent à tout instant de les submerger – notamment Coline, qui cache un lourd secret à ses deux frères. Le cinéma si caractéristique de Sébastien Betbeder, qui marie à la perfection légèreté et gravité, humour et émotion, n’a jamais semblé aussi sincère, aussi évident. Des montagnes du Jura jusqu’à l’immensité des terres immuables du Groenland (familières au réalisateur qui y a déjà tourné Inupiluk et Voyage au Groenland), L’Incroyable femme des neiges nous entraine sur les pas de la fantastique autant que fantasque exploratrice, embarquée pour une nouvelle, peut-être ultime aventure. Une de celles qui donnent un sens à toute une vie.

Film d’animation français d’Antoine Lanciaux

Durée : 1h17 – à partir de 5 ans

Lorsque Lucie, 9 ans, arrive à Bectoile pour les vacances, elle n’a aucune idée des aventures qui l’attendent ! Sa mère, Caro, mène des fouilles archéologiques dans la région avec son collègue Pierrot. La campagne de Bectoile, c’est aussi là où a grandi Caro, et le théâtre d’un secret de famille… que Lucie s’apprête à dévoiler ! Avec l’aide d’un couple de mésanges très spécial et de son nouvel ami Yann, Lucie est bien décidée à se plonger dans son histoire familiale. Des sous-sols d’un château en ruine à une vieille caravane oubliée à l’orée des bois, cette aventure les mènera de surprises insolites en fabuleuses découvertes !

« Un effet de sidération nous saisit devant Le Secret des mésanges : la prouesse, la technique, les détails, le travail d’orfèvre nous impressionnent ! (…) Le film d’Antoine Lanciaux fera date (…) Il fait partie de ces films attendus et rares, impressionnants par leur technique, et qui évoquent la malice de l’enfance avec toujours douceur et tendresse. » Un conte dense de mystères, qui ravira les tout-petits tout en touchant, par réminiscence, les plus grands.

Film policier français de Dominik Moll avec Léa Drucker, Guslagie Malanda, Mathilde Roehrich, Jonathan Turnbull, Mathilde Riu

Durée : 1h55

Venu manifester en famille le 8 décembre 2018 à Paris comme de nombreux Gilets Jaunes – et découvrir pour la première fois la capitale – Guillaume Girard est grièvement blessé par un tir de LBD reçu à la tête. Les forces de l’ordre ont pourtant l’interdiction de viser cette partie du corps. Stéphanie, rigoureuse et impartiale, mène l’enquête avec son équipe de l’IGPN, la police des polices : convocation des témoins et confrontation de leurs versions afin de reconstituer l’enchaînement des faits. Au cours de ses investigations, un élément inattendu la trouble : ce dossier 137 devient alors pour Stéphanie une affaire différente des autres.

Après le succès amplement mérité de La Nuit du 12, Dominik Moll reste dans le domaine policier avec ce Dossier 137, tout aussi impressionnant de maîtrise, qu’il oriente davantage vers l’exploration des dérives institutionnelles et de leurs conséquences tragiques sur des vies ordinaires qui s’en trouvent brisées. Son tour de force est de ne jamais tomber dans le manichéisme et de parvenir à nous exposer les enjeux de manière limpide et fluide. Le film est de bout en bout passionnant, grâce entre autres à l’interprétation remarquable de Léa Drucker, d’une justesse incroyable, qui nous embarque dans les questionnements et les doutes de Stéphanie, enquêtrice intègre.

Documentaire argentin de Michael Dweck et Gregory Kershaw avec Guada Gonza, Tati Gonza, Jony Avalos

Durée : 1h24 – en VO

Au cœur des montagnes argentines, vit une petite communauté de gauchos, des familles de cavaliers profondément attachées à la nature et perpétuant leurs traditions. Tandis que les anciennes générations partagent leur sagesse, leurs rites et culture, leur descendance tente de préserver leur identité dans un monde en pleine mutation. Une jeunesse notamment incarnée par Guadalupe, jeune femme qui n’a cure des risques encourus à cheval, pourvu qu’elle puisse s’imposer dans le monde, très masculin, des gauchos…

Un bijou aux images magnifiques et sensibles en noir et blanc, qui nous invite à réfléchir sur la manière dont les valeurs du passé peuvent être valorisées sans pour autant refuser les apports utiles du progrès, et à nous interroger ainsi sur les enjeux sociaux et environnementaux du XXIe siècle. Paroles des réalisateurs – extraits : « L’idée de liberté est au cœur de la mythologie du gaucho, elle ressemble à celle du cow-boy nord-américain, mais l’histoire de l’Ouest américain est souvent marquée par la domination et la conquête. Ce que nous avons ressenti en côtoyant les communautés de gauchos, c’est plutôt une harmonie avec la terre et une fusion des cultures européennes et indigènes. La mythologie du gaucho est omniprésente en Amérique du Sud, notamment en Argentine. Pour beaucoup, le gaucho symbolise l’existence en dehors des limites de la société moderne, apportant avec lui liberté et pouvoir face à l’inconnu. » « Bien que nous n’ayons pas l’intention de faire des films sur le changement climatique, notre intérêt pour les communautés qui évoluent dans un milieu naturel fait que la question s’invite souvent dans l’histoire. Il y a très peu d’eau dans certaines parties de cette région, il pleut rarement, et la situation ne fait qu’empirer avec le changement climatique. » « Malgré les défis auxquels ces communautés sont confrontées, nous avons découvert une immense joie ici. Des vies d’une richesse et d’une plénitude rares dans le monde d’aujourd’hui. » NB : Les réalisateurs se sont engagés à verser une partie des bénéfices du film à la communauté des gauchos.

Film france-belgo-luxembourgeois de Joachim Lafosse avec Eye Haïdara, Jules Waringo, Leonis Pinero Müller

Durée : 1h32

Sana, mère célibataire cumule deux emplois et des tonnes de fatigue pour élever ses jumeaux d’une dizaine d’années. Lorsque l’opportunité d’offrir à ses fils des vacances de printemps tombe à l’eau, elle décide avec eux de partir tout de même, et de séjourner dans la belle villa, résidence secondaire luxueuse, de son ex-belle famille, sur la Côte d’Azur. En cachette. L’alarme qui résonne quand ils entrent dans la maison ne sera que le premier coup de semonce d’une semaine placée sous tension. Six jours de soleil qui marqueront la fin de l’insouciance.

Sur ce fil du rasoir, Eye Haïdara marche droite. C’est un cinéma de petits riens, de gestes évités, de regards détournés, dont la mise en scène et la comédienne trouvent la juste mesure. Cette trame volontairement ténue laisse la place aux interrogations, les assignations de classe, l’illusoire mobilité sociale et le déclassement, le droit universel à la beauté… Un film bref, à la fois radieux et mélancolique, ponctué de chuchotis prudents et de dîners à la bougie, faute d’électricité pour ne pas alerter les voisins. Centré sur la mère déclassée, dont la caméra scrute la lassitude, les inquiétudes, la joie retrouvée le temps d’une fête ou quand miroite un nouvel amour… Six Jours, ce printemps-là se déroule en mode mineur, sans guère de heurts — si ce n’est qu’un sale type parlerait à Sana sur un autre ton si elle était blanche. In fine, la violence de classe saute aux yeux, et prend à la gorge quand les choses rentrent dans l’ordre bourgeois, chacun sa place, lors d’une scène d’humiliation glaçante. Reste que la mère veille et que la conclusion, splendide, lui doit absolument son goût de revanche.